Geografia dell'industria cinematografica

Geografia dell'industria cinematografica

Données clés

Professeur(s)	Staszak, Jean-François
Cours	Geografia economica

Lectures

• Geografia economica: approcci e sfide
• I circuiti e le loro geografie
• Vantaggi commerciali e geografici
• Geografia della ricchezza e dello sviluppo
• Geografia dell'industria cinematografica

Negli ultimi anni si è verificata una svolta nella geografia economica che ha sollevato interrogativi su alcune forme di distribuzione dell'attività economica o, più precisamente, su una forma di concentrazione dell'attività economica. Tre sono gli elementi da porre in essere all'inizio per spiegare questo cambiamento nell'agenzia economica:

• la svolta socioculturale: è l'idea che i geografi che hanno spiegato l'economia con motivazioni molto economiche, come Weber, Von Thünen e i famosi modelli di localizzazione di Christaller, vengano a spiegare le localizzazioni delle attività economiche con motivazioni culturali o più antropologiche o sociologiche. La concentrazione dell'attività cinematografica negli Stati Uniti, in particolare a Los Angeles e a Hollywood in generale, è un ottimo esempio di questo fenomeno. Nelle spiegazioni economiche tradizionali, è stato spiegato come le fabbriche erano situate per minimizzare il costo del trasporto delle materie prime, ma per il cinema questo non ha funzionato allo stesso modo.
• un'economia dematerializzata e post-fordista: il motivo per cui una tale parte dell'industria cinematografica mondiale si trova a Hollywood non ha nulla a che vedere con i costi di trasporto. Entra in gioco qualcos'altro che ha a che fare con questioni culturali, politiche o sociali. Questa svolta si spiega con il fatto che ci troviamo di fronte a un'economia in gran parte dematerializzata con l'idea di simbolizzare la manipolazione nei paesi ricchi. La maggior parte della ricchezza che si produce nei paesi sviluppati, la maggior parte della crescita si basa su qualcosa che non è più materiale e una parte della produzione è post-fordista. Si tratta di nuovi metodi e prodotti di produzione.
• i distretti industriali e l'SPL: tutto questo non ha portato alla scomparsa della geografia. Non è perché l'economia si sia smaterializzata che si è liberata dei vincoli geografici. Al contrario, abbiamo assistito abbastanza di recente, negli ultimi trent'anni, all'emergere di quelli che venivano chiamati sistemi produttivi localizzati, o distretti industriali. Molti sono stati individuati nell'Italia settentrionale, in Francia, Germania o Inghilterra. Un esempio piuttosto spettacolare di distretto industriale è la concentrazione dell'industria cinematografica a Los Angeles.

I geografi o economisti che hanno teorizzato questo fenomeno di distretto industriale e di concentrazione spaziale dell'attività economica sono i geografi UCLA Allan Scott e Mickeal Storper che hanno pubblicato libri che hanno teorizzato questo recentissimo fenomeno di concentrazione e che, in particolare, hanno prodotto libri su Hollywood e sul funzionamento geografico di questa curiosa entità che è la concentrazione della produzione cinematografica su scala mondiale in un quartiere di una grande città. Questa svolta corrisponde sia a nuovi oggetti che appaiono e che le geografie economiche guardano con perplessità, ma anche a nuove teorie che sono progettate per spiegare l'emergere di nuovi oggetti.

La distanza rimane l'elemento essenziale che si riferisce al problema del costo dell'attraversamento della distanza. Nei modelli classici che spiegavano l'ubicazione delle attività economiche, che si trattasse dell'agricoltura con Von Thünen, dell'industria con Weber o dei servizi con Christaller, si spiegava che l'ubicazione delle imprese o delle attività economiche era intesa a ridurre al minimo i costi di trasporto. Un modo per aumentare i profitti è stato quello di ridurre i costi di produzione, in particolare i costi di trasporto, e l'ubicazione ha permesso di posizionarsi dove i costi totali di trasporto erano più bassi. La questione dei costi di trasporto è stata molto importante in economie molto materiali, in economie che gestivano molti oggetti. Potremmo immaginare che nel caso di un'economia smaterializzata in cui produciamo senza oggetti, non importa più e così potremmo metterci da nessuna parte, ci siamo liberati dal vincolo dello spazio. C'è un costo per l'agglomerato perché il terreno è molto costoso, c'è inquinamento, ingorghi. Sarebbe molto più ragionevole stabilirsi in pascoli di montagna dove il prezzo degli immobili è più conveniente, dove si è meno affollati dai vicini. Se questo fenomeno non si è verificato è perché la distanza continua ad essere un problema anche in un'economia dematerializzata. Tuttavia, sappiamo molto bene, quasi senza costi, che le informazioni circolano quasi istantaneamente in quantità gigantesche.

Il problema è duplice:

• è vero che sono stati compiuti molti progressi nel trasporto delle informazioni. Si tratta di una rivoluzione nei trasporti, l'ultimo sviluppo nei trasporti è Internet, che consente la circolazione di prodotti in regime di dematerializzazione e lo scambio di informazioni. Allo stesso tempo, l'economia ha iniziato a produrre beni il cui contenuto informativo è sempre più importante e beni per la cui produzione è necessario avere sempre più informazioni. Le informazioni necessarie sono prodotte dall'economista esploso. Trenta o quarant'anni fa, siamo riusciti a produrre senza bisogno di molte informazioni e i prodotti che abbiamo prodotto contenevano poche informazioni. Ora, per produrre, abbiamo bisogno di molte informazioni e i prodotti fabbricati contengono molte informazioni. Forse la rivoluzione dei trasporti ha notevolmente migliorato il flusso di informazioni, ma tale miglioramento non è commisurato all'esplosione della quantità di informazioni circolanti e continua a rappresentare un problema. Internet, telefono, fax, ecc. sono molto efficaci per la circolazione di informazioni semplici, ma non complesse, non sensibili, non molto qualitative e non un tipo di informazione che circola molto attraverso la comunicazione interpersonale che sono segnali non discorsivi e di scambio e reciprocità. L'industria smaterializzata e il cinema in particolare consumano molte informazioni molto complesse e sensibili che sono molto difficili da trasportare. L'unico modo per trasportare queste informazioni è in realtà quello di trasportare le persone che le detengono. C'è una sorta di paradosso interessante: mentre l'economia si sta smaterializzando, mentre si potrebbe pensare di stabilirsi in campagna, si rimane bloccati a pagare affitti abracadabranteschi a Ginevra, Parigi o Los Angeles. Hollywood è un esempio caricaturale di questo paradosso che è la difficoltà di trasportare l'informazione se è massiva e complessa.

Questo piccolo quartiere di Los Angeles, cioè Hollywood, comincia a diventare non solo la capitale o una capitale mondiale del cinema, ma anche il sinonimo stesso della settima arte?

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Industrie Culturali

Definizione

L'industria culturale e la settima arte non si mescolano abbastanza bene. Parlando di industria del cinema si fanno più cinefili, il cinema non è un'industria, ma un'arte. Per André Malraux, il cinema è anche un'industria. Il cinema è anche un'industria, non è solo una settima arte, è anche una merce, la produzione cinematografica è anche un'industria molto pesante, non è un'industria artigianale, ma siamo in un'impresa molto collettiva, perché ci sono migliaia di persone coinvolte. L'investimento è molto pesante per fare un film. Ad esempio, ciò che fa sopravvivere l'industria cinematografica americana è che produce film molto costosi. I grandi successi al botteghino di tutto il mondo che riempiono regolarmente le scatole di Hollywood rappresentano importi non standard che costano centinaia di milioni di dollari. Dietro il cinema ci sono grandi finanziatori, banche e assicurazioni. Per molto tempo e ancora oggi, il nucleo dell'industria cinematografica è la produzione. E' una merce, un film è venduto come una merce con campagne pubblicitarie e di marketing, ma anche con molti prodotti derivati. Non c'è nulla di assurdo nel parlare di industria cinematografica e non sta svalutando il cinema.

C'è l'idea che l'industria e la cultura siano due cose che non vanno di pari passo. Forse, al contrario, ciò che caratterizza i recenti cambiamenti nell'economia delle nostre società è che va molto bene insieme.

Il ministero dell'Industria canadese propone la seguente definizione dell'industria culturale: "Gli stabilimenti che si occupano principalmente della produzione e della distribuzione (tranne che con metodi all'ingrosso e al dettaglio) di informazioni e prodotti culturali quali opere scritte, opere musicali, spettacoli registrati, fiction registrata, software e banche dati. Sono inclusi anche gli stabilimenti che forniscono i mezzi per trasmettere o distribuire tali prodotti o che forniscono l'accesso ad attrezzature e competenze per l'elaborazione dei dati. Le principali componenti di questo settore sono l'editoria (esclusa l'editoria esclusivamente su Internet), compresa l'editoria di software, le industrie di registrazione di film e suoni, la radiodiffusione (esclusa quella esclusivamente su Internet), l'editoria e le industrie di radiodiffusione su Internet, le telecomunicazioni, i fornitori di servizi su Internet, i portali di ricerca su Internet, i servizi di elaborazione dati e di informazione. Si tratta di una definizione alquanto restrittiva dell'industria culturale, che non fornisce il nocciolo duro della questione.

Un bene con una forte componente simbolica sarà definito bene culturale. Un'industria culturale è un'industria che produce beni la cui componente simbolica è essenziale. Un'industria culturale che produce beni utilitari non sarà un'industria culturale. Lo stesso prodotto, una scarpa, può essere il frutto di un'industria non culturale o può essere un bene perfettamente simbolico e quindi il prodotto di un'industria culturale.

E' molto difficile dire che da un lato avrebbe beni simbolici e dall'altro utilitari, è un continuum, perché in tutti i beni c'è una componente simbolica e una componente utilitaria, ma ci sono beni che hanno una componente utilitaria molto debole e altri che hanno una componente utilitaria molto importante. Un bene culturale è un bene in cui la componente simbolica è più importante della componente utilitaristica, è un bene che è essenzialmente un segno. La quota simbolica nei beni di consumo è sempre più importante. Acquistiamo sempre meno beni utilitari e sempre più beni simbolici. Più precisamente, nei beni che acquistiamo, la parte simbolica è sempre più importante. Oggi, nei beni che acquistiamo, c'è molto design, molta distinzione, molto significato, segni e simboli e quindi la produzione industriale è sempre meno utilitaristica e sempre più simbolica, il che significa che la produzione industriale è sempre meno utilitaristica e sempre più simbolica. È anche il passaggio dal fordismo al postfordismo con la nozione di personalizzazione di massa.

Le economie dei paesi ricchi sono dematerializzate e con l'avvento di internet e delle nuove economie, i prodotti venduti sono sempre meno prodotti fatti con materiale e sempre più prodotti fatti con informazione. La dematerializzazione dell'economia ha portato al fatto che il libro si è liberato della materia. Si assiste a una vera e propria trasformazione economica e a una vera e propria dematerializzazione dell'economia. A partire dagli anni Ottanta la cultura è diventata una merce. I settori della cultura sono diventati merci quando non lo erano prima. Il paradosso è che questa industria culturale lavora molto sull'informazione, ma non si è liberata di spazio per tutto questo. Questo mistero occupava molto la geografia economica e in particolare i geografi della scuola di Los Angeles.

A San Francisco Bay, a sud di San Francisco, intorno alla Stanford University, si trova la Silicon Valley". Per "silicio" si intende il "silicio", che fa parte dei materiali utilizzati per fabbricare i chip dei circuiti stampati. Silicon Valley è il luogo in cui sono stati inventati i personal computer e i software, ed è qui che sono iniziate questa rivoluzione e questa nuova economia. Si tratta di uno spazio molto piccolo, di poche decine di chilometri, direttamente collegato alla presenza della Stanford University. Si tratta di un distretto industriale in cui si concentra l'attività informatica. Perché è rimasto localizzato qui, quando se c'è qualcosa che è emerso bene dai vincoli di localizzazione è l'economia di Internet. È un quartiere industriale come quello del cinema. È un mistero che queste paradossali forme di localizzazione delle industrie culturali che questa geografia economica cerca di spiegare.

Possiamo avere un significato restrittivo della definizione di industria culturale in cui l'industria culturale è incentrata sull'informazione. Oggi è senza dubbio la principale fonte di reddito, di ricchezza e di esportazione negli Stati Uniti.

Possiamo avere una definizione dell'industria culturale in cui il valore simbolico è essenziale nei beni che vengono fabbricati. Ciò comprenderà molti aspetti legati alla moda, al patrimonio culturale o al cinema. I film non hanno alcuna funzione utilitaristica e, ancora oggi, non hanno alcuna dimensione materiale. La dematerializzazione del prodotto non significa che la produzione sia dematerializzata.

Caratteristiche

Sembra che vi sia una contraddizione di fondo tra industria e cultura, tra logica industriale e logica culturale. L'industria sarebbe quasi una "parola sporca", mentre la cultura sarebbe una parola "nobile". Il primo a menzionarlo è stato Adorno in Dialektik der Aufklärungpublished nel 1947. Di fronte a questa contraddizione, come si possono caratterizzare le industrie culturali?

C'è infatti l'idea di creazione, si tratta di industrie creative e creative di novità o di contenuti. Alla base di qualsiasi industria culturale, c'è un creatore, creatori, o qualcosa dell'ordine creativo. Non siamo mai in piena riproduzione. Abbiamo bisogno di una differenza di contenuto, quindi abbiamo bisogno di una nuova idea. Non è possibile realizzare due volte lo stesso film. Quello che ci fa andare a vedere un film è che è nuovo, è diverso. Tuttavia, per alcuni storici, il fatto che i film attuali facciano parte della declinazione di episodi sarebbe un segno di stanchezza e forse anche di fine cinema. L'incapacità di Hollywood in questo momento di ottenere nuovi film, e il fatto che ci sono così tanti film che stiamo iniziando oltre sarebbe un segno che il cinema è una moda culturale finita.

Nell'industria culturale ci sarà sempre una tensione tra novità e un prodotto che rompe con i codici in vigore. Un prodotto culturale è un prodotto che ha un'idea. Non c'è niente di più facile che copiare. Le industrie culturali sono industrie basate sul diritto d'autore. C'è un enorme problema giuridico: è molto facile duplicare un prodotto, piratarlo e venderlo, essendo una grande preoccupazione per l'industria, la musica, il cinema e, in misura minore, la letteratura. Se c'è sempre più pirateria, ci saranno sempre meno entrate e sempre meno diritti d'autore. La sfida è generare nuove idee e garantirne la titolarità. C'è l'idea di segretezza. In diverse occasioni, i produttori concorrenti hanno distribuito lo stesso film allo stesso tempo. Un problema è quello di evitare di essere copiati e l'altro è la ricerca dell'originalità.

I beni culturali sono beni di esperienza, vale a dire che è molto difficile sapere in anticipo se un risultato sarà venduto. È complicato prevedere il successo di un film. Non puoi sapere se un'idea ti piacerà. Siamo in un paradosso. La certezza del successo si basa su quanto accaduto in passato. E' nella natura stessa dei beni culturali che non si può sapere in anticipo se funzioneranno. Ciò che compensa è l'esperienza, come nel caso di un grande produttore. Si tratta di una questione di intuizione e di esperienza che consiste nell'identificare un buon scenario o un buon attore. C'è un'estrema difficoltà nel fatto che gli unici film che funzionano fanno milioni di dollari, ma sono film molto costosi. In generale, nell'industria esiste una relazione tra il costo di produzione e il prezzo di vendita, più alto è il costo di produzione, più alto è il prezzo di vendita, e quindi esiste una relazione tra il prezzo di vendita e i quantitativi venduti.

Esiste uno scollamento tra i costi di produzione, i prezzi di vendita e i quantitativi. Un'altra idea importante è l'obsolescenza, ovvero il fatto che i prodotti culturali sono molto rapidamente prodotti obsoleti. La durata di vita di un film, di una musica o di un libro è molto limitata. L'unico modo per perpetuare un prodotto è declinarlo. Un'altra caratteristica è che questi beni hanno una dimensione tecnologica molto importante. Le industrie culturali hanno spesso una duplice struttura di produzione, con grandi gruppi oligopolistici da un lato e frange di piccoli produttori dall'altro. Si dice che sia una struttura oligopolistica con frange. Ci sono alcuni grandi produttori cinematografici che svolgono la maggior parte dell'attività e poi ci sono tutta una serie di centinaia di piccoli produttori indipendenti. Questi piccoli produttori marginali garantiscono il funzionamento del sistema, la sua flessibilità e spesso è da lì che proviene l'innovazione. Una grande impresa ha grandi difficoltà ad innovare per definizione. Il piccolo produttore indipendente, la piccola officina è più con una spontaneità, flessibilità e quindi spesso la novità è marginale. Ecco perché la struttura economica nella vita culturale è una struttura oligopolistica marginale.

Si tratta di un settore in piena espansione economica, la cui produzione non smette di aumentare e i cui profitti non smettono di aumentare. Questa è diventata un'importante fonte di reddito per molte economie. Il cinema è diventato una delle principali fonti di reddito e quindi per molti paesi è diventato la fonte di reddito.

La tabella mostra in dollari costanti il valore delle esportazioni di film e nastri registrato dagli Stati Uniti tra il 1986 e il 2000. In 14 anni, è passato da 1,6 miliardi di dollari a 8 miliardi di dollari, quasi il quadruplo di tale cifra. I ricavi derivanti dalla vendita dell'industria culturale sono quadruplicati dagli anni '80.

Questo grafico mostra l'evoluzione del numero di dipendenti delle agenzie audiovisive e di stampa in Francia tra gli anni '70 e il 2000. Siamo passati da 100 a quasi 200. Ciò significa che la massa salariale e i lavoratori del settore audiovisivo sono raddoppiati nel periodo in esame. Ci troviamo di fronte a un'industria che sta davvero esplodendo, che sta occupando sempre più spazio, che impiega sempre più persone e che genera sempre più profitti.

Produzione altamente concentrata

Su scala globale

Discuteremo della produzione cinematografica e della sua concentrazione. Per guardare la produzione cinematografica su scala globale, potremmo prima limitarci a un'analisi quantitativa, cioè guardare semplicemente al numero di film che vengono prodotti. Gli Stati Uniti sono ben lungi dall'essere il primo produttore mondiale di film, il primo produttore è l'India.

Questa mappa rappresenta la produzione media annua di film tra il 2005 e il 2010. La produzione è molto più elevata in India che negli Stati Uniti. In media, negli ultimi cinque anni, sono stati prodotti 1.150 film in India rispetto ai 500 stati, quindi, in media, il doppio dei film prodotti in India rispetto agli Stati Uniti. Ci sono diversi poli di produzione cinematografica, ma il più noto è a Mumbai, che è Bollywood. È un po' ironico copiare il mondo di Bollywood a Hollywood, perché l'industria cinematografica si è sviluppata a Mumbai prima di svilupparsi a Hollywood. Lo sviluppo di Hollywood seguì lo sviluppo degli studi di Mumbai. Gli studi di Mumbai si svilupparono alla fine del 19 ° secolo, mentre per Hollywood, si sviluppò nel 1915.

Le statistiche del 1998 mostrano che l'India e gli Stati Uniti producevano quasi allo stesso livello circa lo stesso numero di film. Ora, possiamo vedere che questo è davvero aumentato dal momento che la media per il decennio dal 2005 al 2010 è il doppio di film realizzati in India rispetto agli Stati Uniti. Oggi la Cina produce 526 film in Cina, mentre 500 sono prodotti negli Stati Uniti. I due principali produttori cinematografici mondiali sono Cina e India, e gli Stati Uniti saranno al terzo posto, ma non molto lontani dal quarto, poiché il quarto paese è il Giappone, la cui produzione è quasi equivalente a quella degli Stati Uniti. Si tratta di un fenomeno nuovo, dal momento che gli Stati Uniti sono stati chiaramente il secondo paese in termini di produzione mondiale nel 1998. C'è un'erosione della posizione degli Stati Uniti a favore del passaggio al Pacifico e l'affermazione non solo dell'India, ma anche della Cina e del Giappone come luogo di produzione cinematografica. Una spiegazione molto semplice può essere data a questo fenomeno che è la popolazione. Ci sono oltre un miliardo di persone in India e in Cina. Un'altra spiegazione è che India e Cina costituiscono i loro mercati cinematografici che non possono essere pienamente soddisfatti dalla produzione americana.

Esiste un centro di produzione europeo con una media di 220 film in Francia e circa 100 nel Regno Unito. Il polo europeo rappresenta più o meno la stessa cosa come il polo americano o il polo cinese. Per riassumere, ci sono cinque produttori in tutto il mondo oggi: Cina, India, Giappone, Europa e Stati Uniti. Molto indietro, vi sono piccoli produttori isolati come il Brasile, l'Argentina, la Nigeria o l'Indonesia, tra gli altri. Si tratta di una struttura molto concentrata, non così concentrata come altri tipi di industrie, e forse meno concentrata oggi di ieri, tanto che India e Stati Uniti erano più distintamente diversi dal resto della produzione rispetto a qualche anno fa. La configurazione mostra l'ottima posizione della Francia con 200 film all'anno.

Solo perché produciamo molti film non li esportiamo, li vendiamo molto o facciamo molti soldi. La verità è che i film realizzati in India e in Cina sono difficilmente esportabili, sono quasi esclusivamente destinati al mercato interno cinese e indiano. Questo rappresenta ancora un mercato di circa 3 miliardi di persone. I film di Bollywood sono solitamente musical che raccontano una storia romantica che dal punto di vista occidentale è improbabile e molto stereotipata. Questi film sono distribuiti principalmente nei mercati nazionali, che sono un mercato nazionale colossale, ma poco solvibile per gli occidentali.

Se confrontiamo non la produzione media di film, ma i profitti che vengono realizzati o il numero di biglietti venduti, ci rendiamo conto che questo cambia completamente. Se gli Stati Uniti fanno la metà dei film dell'India, se Hollywood in termini di numero di film pesa la metà di Bollywood, se guardiamo i profitti, i profitti sono dell'ordine di 2 miliardi di dollari per Bollywood e 51 miliardi di dollari per Hollywood. Cioè, Hollywood in termini di profitto pesa 25 volte di più di Bollywood, ma produce la metà del numero di film. In altre parole, i film americani guadagnano in media 50 volte di più rispetto a quelli indiani. Questo non si trova in molti biglietti venduti dal momento che il numero di biglietti venduti in India è di 3 miliardi, mentre Hollywood rappresenta solo 2,6 miliardi di biglietti. Il problema non è il numero di voci, ma il prezzo di ingresso. La maggior parte dei profitti realizzati da un film non ha più nulla a che vedere con le entrate al cinema. I profitti realizzati da un film riguardano i diritti TV, la vendita su Internet, la vendita di DVD, il merchandising e il merchandising. Un'altra differenza enorme tra Hollywood e Bollywood è il costo medio di un film: 5 milioni di dollari a Mumbai e 80 milioni di dollari a Hollywood. Così un film americano fa 50 volte più profitto di un film indiano, anche se costa 20 volte di più. In correttivo è il tasso di crescita, dal momento che il tasso di crescita del cinema indiano è attualmente del 13%, mentre quello di Hollywood è del 6%.

Si tratta di una struttura molto concentrata, non in termini di numero di film prodotti, ma in termini di profitti. In termini di profitti, Bollywood è ancora trascurabile su scala internazionale.

La produzione è molto concentrata negli Stati Uniti, anche se esiste una certa diversificazione. Questo fenomeno di concentrazione spaziale della produzione negli Stati Uniti è vecchio. Nato nel 1895, il cinema è stato inventato quasi contemporaneamente da Edison negli Stati Uniti e dai fratelli Lumières a Lione. Il dibattito riguarda la definizione di cinema. Non è facile dire cos'è il cinema. Non è facile dire che cos'è un film. Secondo la definizione data, è stato inventato a New York da Edison o a Lione dai fratelli Lumières. Se si pensa che un film è in movimento immagini che vengono stampate su un film sensibile e uno spettatore sta guardando, è Edison. Se la definizione di cinema si riferisce a una proiezione su schermo, allora sono i fratelli Lumières che la inventano nello stesso anno in cui Edison è nel 1895. La situazione nel 1910 era piuttosto di duopolio, con quasi due paesi che vendevano, ma la posizione dell'Europa era migliore di quella degli Stati Uniti essenzialmente perché la produzione europea era di migliore qualità, meno ripetitiva e più innovativa di quella americana. Negli anni '10 non abbiamo ancora girato un lungometraggio. Arriva la prima guerra mondiale che pone praticamente fine alla produzione europea, gli Stati Uniti continuano a produrre nel periodo. Alla fine della prima guerra mondiale, l'industria cinematografica europea aveva praticamente cessato di esistere, mentre quella degli Stati Uniti era cresciuta enormemente. Le relazioni sono cambiate e cambierà anche il fatto che gli Stati Uniti riusciranno a vietare l'importazione di film europei nel territorio americano. Non è più possibile trasmettere film europei sul territorio americano. Dal 1918 in poi, gli europei non esportavano praticamente alcun film negli Stati Uniti, mentre gli Stati Uniti facevano molto volentieri il contrario. Gli Stati Uniti hanno due mercati, il mercato interno americano e il mercato europeo, mentre gli europei sono costretti a accontentarsi del proprio mercato, anch'esso molto frammentato. In questa configurazione, il cinema americano è cresciuto di potere, mentre il cinema europeo, anch'esso meno strutturato dal punto di vista economico, è destinato a ristagnare. La seconda guerra mondiale sarà ancora una volta un segno di arresto della crescita del cinema europeo, mentre il cinema americano continua a crescere e ad abbellirsi e negli anni Cinquanta ci troviamo in una situazione molto vicina a quella attuale, in cui la produzione americana è davvero massiccia e dominante su scala mondiale.

Non è sempre stato così, negli anni '10 era piuttosto l'Europa ad avere il vantaggio ed è stato messo in atto grazie ad una politica ultraprotezionistica dell'industria cinematografica americana grazie o a causa delle due guerre mondiali. Attualmente, tuttavia, il mercato è essenzialmente dominato dalla produzione statunitense. I primi venti film al botteghino del mondo che hanno fatto più soldi nel mondo sono tutti film americani o almeno in inglese. Questo fenomeno fa parte della storia. C'è un pregiudizio quando guardiamo a questo box office , che è che i film ora fanno molto più profitto rispetto al passato e allora non possiamo confrontare il dollaro di oggi con il dollaro in passato.

Se si correggono queste cifre con l'inflazione, gli incassi sono molto diversi. I primi venti successi al botteghino di tutto il mondo sono tutti film americani. C'è una dimostrazione molto chiara della capacità del cinema americano di fare profitti e molto di più del cinema indiano, cinese, giapponese, tedesco o francese. Non è solo legata al mercato americano, è legata al fatto che è un cinema che viene esportato, mentre il cinema indiano o cinese è più difficile da esportare.

Se prendiamo la situazione opposta, troveremo un fenomeno che è paragonabile a piccole variazioni. Se si considerano i botteghini europei, nel contesto del box-office francese, il più grande successo nella storia del cinema francese in termini di numero di spettatori è il Titanic. Ha anche film francesi che hanno un grande successo in Francia. I film francesi che hanno avuto un successo colossale sono film che mettono in discussione l'identità francese. Il film Titanic, ad esempio, non racconta la storia americana, ma piuttosto quella britannica. Esiste una possibilità più universale di identificazione.

La cultura americana avrebbe acquisito un valore universale; fondamentalmente, comprendiamo film che parlano dell'America, mentre non capiamo un film che viene dall'India. Il paradosso e la ragione per cui comprendiamo così bene la società americana è perché l'abbiamo vista nel cinema. Il motivo per cui possiamo facilmente vedere un film americano dall'America è che lo abbiamo già visto prima e che questa società americana grazie al cinema è molto meno sconosciuta a noi della società indiana o cinese. L'alterità nel cinema implica la condivisione di certi codici.

La frammentazione del cinema in aree culturali è un fenomeno nuovo. Questo è legato all'invenzione del cinema parlante nel 1929. In quel momento il cinema ha cessato di essere universale. Nel 1929 si comincia a parlare è la questione di sapere quale lingua parlare. Il cinema cessa di essere un cinema universale. Per questo Charlie Chaplin ha proseguito il film muto.

Le Majors

Ci concentreremo sulla produzione e sulla concentrazione della produzione. Pensiamo in termini di strutture economiche. Quando parliamo di concentrazione, ragioneremo in termini di concentrazione spaziale, ma anche in termini di strutture economiche. Non siamo nella situazione caricaturale degli anni Trenta dove c'erano davvero pochissimi studi, la situazione è diventata un po' più diversificata, ma questo è dovuto anche al fatto che gli studi sono diventati una sorta di conglomerato che copre realtà molto diverse.

Quando Allen Scott propose questo progetto in On Hollywood: The Place, The Industry, pubblicato nel 2004, c'erano sette grandi studi in tutto il mondo che erano le grandi società che detenevano un'enorme superficie finanziaria, assicurando l'uscita dei film più numerosi e costosi e che facevano più soldi.

In termini percentuali, qual è la quota di queste strutture mediatiche nella produzione? Distinguiamo la concentrazione nelle quattro maggiori imprese e nelle otto maggiori e pensiamo in termini di produzione, distribuzione, proiezione e post-produzione. Per quanto riguarda la produzione cinematografica, un terzo o la metà a seconda che si prendano le quattro o le otto società più grandi, un terzo dei ricavi quando la metà dei ricavi è fornita dagli studi maggiori, se si guarda la distribuzione dei film, è totalmente bloccata dagli studi maggiori, l'82% dei film sono distribuiti dai quattro studi maggiori e il 92% dagli otto studi maggiori. Per la proiezione, è poco meno della metà perché ci sono ancora piccoli cinema indipendenti e la grande differenza è la post-produzione. I grandi studios sono quasi assenti che prendiamo i quattro più grandi studios o gli otto più grandi studios che forniscono un quinto della post-produzione. La postproduzione è spesso esternalizzata. Negli Stati Uniti, questi quattro grandi studi realizzano metà dei profitti della produzione cinematografica, quattro quinti dei profitti della distribuzione cinematografica e un terzo dei profitti della loro produzione. Si tratta di una struttura in cui, in ogni momento dell'industria cinematografica, della produzione, della distribuzione o della proiezione cinematografica, quasi la metà, due terzi o tre quarti del settore sono detenuti dai grandi studi. L'unico settore che sfugge al controllo dei grandi studi di Hollywood è quello della post-produzione.

Hollywood e altre SPL cinematografiche

Vedremo quante di queste diverse attività sono nell'industria cinematografica, non a Hollywood, ma nella contea di Los Angeles.

Questa mappa è una mappa satellitare di Los Angeles. Quello che appare in un colore blu è l'agglomerazione, appare il centro della città di Los Angeles, il porto di Long Beach, la valle, Pasadena, Santa Monica e Hollywood. Ciò che è in rosso è la vegetazione e ciò che è in blu sono le aree abitate. L'essenziale è fornito a Hollywood o Santa Monica o nella valle.

Quanta parte della produzione americana è assicurata nella Contea di Los Angeles? In termini di produzione cinematografica, tre quarti dei ricavi sono a Hollywood, dove un quarto degli stabilimenti è a Hollywood, ma due terzi dei posti di lavoro sono a Hollywood. In altre parole, due terzi dei posti di lavoro statunitensi nella produzione cinematografica sono Los Angeles, che rappresentano i tre quarti dei ricavi, ma che è solo il 26% del numero di strutture. Questo significa che ci sono molti stabilimenti altrove, ma sono piccoli stabilimenti che impiegano il mondo e fare pochi profitti dal momento che il 75% degli stabilimenti di produzione cinematografica non sono Los Angeles, ma è il 75% in termini di numero di stabilimenti impiegano solo un terzo del settore e dei dipendenti di produzione e raccogliere solo un quarto dei profitti.

Il fenomeno della concentrazione spaziale a Hollywood e maggiore, tre quarti dei ricavi della produzione americana sono a Los Angeles e questo si accompagna in termini di concentrazione in termini di dimensioni dello studio. Per dirla in un altro modo, ci sono studi a Los Angeles che sono infinitamente più grandi che altrove e rappresentano i tre quarti delle entrate e tre quarti dei bilanci. Per quanto riguarda la distribuzione cinematografica, la situazione è più complicata. I profitti della distribuzione cinematografica rimangono al 60% a Los Angeles, il che non significa che i film vi siano distribuiti, ma per quanto riguarda il controllo della distribuzione cinematografica negli Stati Uniti, i ricavi beneficiano al 60% a Los Angeles. Il 45% o quasi della metà delle persone che lavorano in questo settore della logistica, che è la distribuzione di film di vita a Los Angeles. La metà delle persone che organizzano la distribuzione di film negli Stati Uniti vive a Los Angeles. Los Angeles rappresenta la metà delle entrate di post-produzione. In termini di industria cinematografica negli Stati Uniti, sia in termini di produzione e distribuzione, o post-produzione, rappresenta tra la metà ei due terzi dei posti di lavoro che sono a Los Angeles e tra la metà ei tre quarti dei ricavi che vengono generati a Los Angeles. L'unico punto in cui Los Angeles non monopolizza l'attività legata al cinema è quello della proiezione di film distribuiti ovunque.

C'è un grande fenomeno di doppia concentrazione, una concentrazione organizzativa in pochi grandi studi e una concentrazione geografica o quasi tutta l'industria cinematografica è gestita da una dozzina di studi situati nell'area metropolitana di Los Angeles.

Che cosa fanno i 20 film che nella storia umana hanno prodotto i maggiori profitti sono stati prodotti non solo negli Stati Uniti, non solo in California, non solo a Los Angeles, ma in questa piccola parte se la generazione di Los Angeles? Che cosa sta succedendo a Hollywood per creare un fenomeno del genere? Niente. La domanda è: come è successo?

Si ha sempre l'impressione quando si racconta la storia del cinema o delle industrie che improvvisamente si sta facendo una scoperta tecnologica che tutti aspettavano. L'idea sarebbe che nel 1929 inventiamo il cinema parlante e smettiamo di vedere film muti, e abbiamo l'impressione che negli anni Trenta inventiamo film a colori e smettiamo di vedere film in bianco e nero. Non è affatto così. Infatti, fin dall'inizio del cinema, sappiamo come fare film a colori e sappiamo anche come fare film parlanti. Le prime pellicole a colori risalgono al 1917 e al 1918. Quello che accade nel 1929 non è che si inventa una nuova tecnica, ma si inventa il suo interesse. Il primo film non è un film parlante, ma un film cantante chiamato The Jazz Singer. Tutti smettono di fare film muti e tutti cominciano a fare film parlanti, ad eccezione di Chaplin. Chaplin continuerà ostinatamente a fare film che non sono muti perché c'è musica, ma film in cui non parla. Il primo film di cui parla Charlie Chaplin è del 1936 nel film Tempi moderni. Chaplin dimostra di non essere un attore americano, ma inglese e se parla inglese è con un accento britannico. Dimostra che è un attore che parla un linguaggio universale e soprattutto che non vale la pena parlare. Chaplin dimostra che il linguaggio nel cinema è inutile perché capiamo molto bene ciò che ci racconta solo con le sue posture e solo con il suo linguaggio corporeo. Dal punto di vista della geografia dell'industria cinematografica, di fronte al rischio di frammentazione del mercato, Chaplin offre una risposta in una lingua internazionale che non è una lingua di nessuno.

Nel 1885, a Hollywood, era un'area frutticola alla periferia dell'area metropolitana di Los Angeles. A quel tempo, la grande città californiana era San Francisco. La California ha cominciato a popolarsi dal 1850 in poi con la strada d'oro occasionale, San Francisco è diventato un porto importante e Los Angeles è ancora una città davvero piccola. Il motivo per cui Los Angeles sta per diventare una grande città è legato allo sviluppo e l'arrivo della ferrovia e lo sviluppo della grande industria cinematografica così come il petrolio. Alla fine del 19 ° secolo, Los Angeles è considerata come la fine del mondo, è stato necessario attraversare gli Stati Uniti, il centro economico degli Stati Uniti è per lungo tempo sulla costa occidentale. La costa atlantica comprende la conurbazione costiera da Washington e Baltimora a New York City, Boston e Portland alla regione dei Grandi Laghi, Detroit e Chicago. È qui che si svolge la maggior parte della vita intellettuale e della produzione, che si trovano le principali università e centri di ricerca, e così, naturalmente, quando il cinema è stato inventato negli Stati Uniti nel 1895, è stato a New York. Il potenziale commerciale del cinema è stato immediatamente compreso e Edison ha immediatamente creato una società di produzione cinematografica e diversi studi che sono stati gli studi della società Edison. Edison ha depositato un brevetto a tutela dei propri diritti. Si tratta di un'industria basata su idee e conoscenze, quindi significa mantenere il beneficio delle idee mediante il deposito di un brevetto. Con il deposito di tale brevetto Edison ha vietato a terzi di copiare e realizzare film. Così, tra il 1895 e gli anni '20, vengono creati enormi studi non proprio a Manhattan, ma a sud di Manhattan, nel New Jersey, che diventa la capitale americana del cinema e diventa uno dei primi posti nel mondo del cinema con la Francia, con gli studi parigini, Londra, ma anche Berlino. I primi film della storia del cinema americano sono stati girati nel New Jersey fino agli anni Trenta. In California, fino al 1914 e al 1915, non accadde nulla. Hollywood è un frutteto. Per circa vent'anni, l'industria cinematografica di New York è fiorita ed è stata l'unica negli Stati Uniti a produrre film.

Allora perché New York? New York aveva le risorse intellettuali, gli ingegneri, ma anche gli inventori che erano lì da molto tempo e che sapevano fare oggetti; c'era un'industria meccanica, un'industria fotografica, un'industria meccanica che è all'origine dell'industria cinematografica in termini di ottica, ma anche di elettricità, che presupponeva anche lo spettacolo. All'inizio, i film erano come il teatro girato. Il grande palcoscenico teatrale era Broadway. Era logico che il cinema si sviluppasse dove aveva industrie meccaniche, elettriche e ottiche, da un lato, e poi il teatro, dall'altro. Aveva anche bisogno di capitali, c'era la Borsa di New York, e aveva bisogno di un pubblico e New York era la città più grande degli Stati Uniti. Era abbastanza logico, perché si potrebbe anche dire che il cinema non poteva essere costruito al di fuori di New York. New York era predestinata a diventare la capitale americana del cinema in modo caricaturale e per molte ragioni. D'altra parte, New York è molto ben collegata con gli Stati Uniti, è molto facile da esportare in altri stati e altre città degli Stati Uniti. Questa fiorente industria stava già realizzando enormi profitti nel 1905 e nel 1910. All'inizio è un cinema di attrazione che mostra le cose ed è un po' alla volta che racconta le storie.

Ci si chiede perché l'area newyorkese sia totalmente in declino in termini di produzione cinematografica da quando la completa riconversione di tutta la produzione è stata trasferita in pochi anni in California. Sono stati raccontati alcuni miti. Nel 1885 apparve il primo studio di Hollywood, dal 1922 il paesaggio cambiò molto con i grandi studi di Hollywood.

Ci sono miti sul perché il cinema abbia lasciato il New Jersey e si sia trasferito in California. Il primo mito e quello del sole. Un secondo mito (giustifica in un certo senso il trasferimento degli studi nel sud della California e che si trovi nei paesaggi della California tutti i paesaggi del mondo e del cinema hanno bisogno di scenari che siano naturali perché più spettacolari, meno costosi e più credibili di quelli che è possibile creare in studio). La California offrirebbe una varietà di paesaggi che permettono di girare tutti i film del mondo in ambientazioni naturali. Non è vero che il tempo e la varietà dei paesaggi hanno fatto sì che Hollywood diventasse la capitale mondiale del cinema. Non è successo subito, c'è stato uno sviluppo in studio in Florida, anche a Chicago.

La vera spiegazione è legata ai brevetti e allo status giuridico del cinema. Edison, sia con metodi legali che canaglia, è riuscito a far valere i suoi brevetti e a impedire lo sviluppo di qualsiasi industria cinematografica nello Stato di New York. L'applicazione della legge, della legge e del monopolio sull'industria cinematografica divenne sempre più difficile man mano che ci si spostava sempre più lontano dal luogo in cui si esercitava il proprio potere e da quello in cui si godeva il proprio potere, vale a dire la costa occidentale. Il motivo principale era che più ci arrivavamo da New York, più potevamo fare film senza che Edison si mettesse d'intralcio. Il motivo era quello di sottrarsi al monopolio di Edison e di sottrarsi alle cause che Edison non avrebbe mancato di intentare contro di loro se avessero sviluppato la propria attività. Quindi la ragione per cui partiamo da New York è che c'è una situazione di monopolio che limita l'ingresso sul mercato. Negli anni '10 non è stato possibile entrare nel mercato cinematografico, completamente bloccato dai brevetti Edison. L'unica soluzione è quella di sfuggire a questa giurisdizione è quella di abbandonare l'area di influenza di Edison per spingersi oltre. Il motivo per cui siamo andati alla fine del mondo a conoscere in California è stato il primo perché era la fine del mondo. Si è dovuto lasciare la costa orientale, si è dovuto lasciare New York e in qualche modo andare il più lontano possibile.

È possibile sviluppare una cronologia. Il primo è Griffith che nel 1910 arriva a Los Angeles con grandi stelle della costa orientale che sono le grandi stelle del muto, vale a dire Lilian Gish e Mary Pickford per girare nella vecchia California. Nel 1911 sono stati creati Nestor Studios, nel 1912 l'antenato di Universal Studios è nato. Fino al 1913, il centro di produzione rimase New York. Fu solo nel 1914 che il primo lungometraggio fu girato in California e fu un film di Cecil B. Demille intitolato The Squaw Man. Il momento più significativo risale al 1915 dal titolo Nascita di una nazione che è un film di Griffith che per molti storici del cinema è il primo film nella storia del cinema. Griffith metterà in atto quasi tutti i codici del cinema di oggi. Nel 1916 ebbe luogo il primo blockbuster intitolato Intolleranza, che raccontava la storia dell'umanità. Da lì, a poco a poco, tutti i produttori, tutti i registi, tutti gli sceneggiatori, tutti gli attori migreranno a Hollywood dove questa innovazione ha avuto luogo, che non è l'invenzione del cinema, ma quella del film.

Tra la fine degli anni '10 e l'inizio degli anni '20 vengono creati i grandi studi, gli studi, le grandi strutture dell'organizzazione hollywoodiana con la creazione dell'associazione dei produttori e distributori cinematografici americani, e nel 1923 che è un momento canonico si fa il segno hollywoodiano che è in realtà una pubblicità per una suddivisione. Nel 1927 esce il primo film parlante, nel 1929 si svolge la prima cerimonia di Oscar. Gli anni 1927-1948 segnarono la grande era della Hollywood classica, che è la grande era delle case cinematografiche americane. Questo sistema si disintegra un po' alla fine degli anni '40 non perché ponga problemi economici, ma perché la struttura del cinema americano è un oligopolio dominato da pochi grandi studi e gli studi controllano sia la produzione che la distribuzione e la proiezione del film. Nel 1948, la Corte Suprema degli Stati Uniti decise di rompere questo sistema, che era considerato anticoncorrenziale. Si ritiene che l'integrazione della produzione, della radiodiffusione e della proiezione negli stessi studi sia un fenomeno che rompe la concorrenza e impedisce lo sviluppo del cinema. Questa decisione della Corte Suprema costringerà i produttori cinematografici a separarsi dalle sale cinematografiche e quindi non saranno più proprietari di sale cinematografiche e quindi, per i proprietari e gli affittuari di sale cinematografiche, potranno acquistare i film che desiderano. Questo momento che segna la fine dei grandi studi è anche il momento in cui la televisione si sviluppa così il modello che ci fa andare al cinema cambierà, i film arriveranno sempre di più a noi.

Per quanto riguarda le cause, i paesaggi naturali, la luce e il clima sono fattori positivi, ma non importanti, il fattore essenziale è stato quello di spingersi il più lontano possibile da Edison e dai suoi brevetti. Ci sono altri due fattori che rendono una buona idea per andare in California, ma che non erano necessari. Il primo è che ci troviamo in uno spazio in cui non c'era molto e quindi la terra era molto a buon mercato e il cinema è un'industria che richiede molta terra. Il fatto che la terra sia a buon mercato è un elemento importante, mentre a New York era molto costoso. Quando si inventa una nuova economia, non è facile metterla sullo stesso piano dell'economia passata. In altre parole, quando cambierà il paradigma economico, quando ci sarà una vera e propria rivoluzione economica, le vecchie regioni ricche soffriranno dello svantaggio di essere già sviluppate. Paradossalmente, sul piano economico, il fatto che la California fosse un vero e proprio deserto era qualcosa di abbastanza positivo per l'industria cinematografica perché prometteva terra a buon mercato. D'altra parte, c'è tutta una logistica del cinema che è ad alta intensità di lavoro e questo lavoro era presente in California a causa dei frutteti. L'agricoltura frutticola era un'agricoltura la cui base di forza lavoro era costituita da immigrati dal Messico ed è su questa forza lavoro di lavoratori agricoli che l'industria cinematografica si baserà.

Perché la California piuttosto che altrove? Non c'è motivo per farlo. Ciò avrebbe potuto accadere anche in altre parti degli Stati Uniti. Il motivo per cui questo accadrà in California e a Los Angeles è che i due registi che hanno in programma di fare diversi film arriveranno entrambi a Los Angeles. I primi due film che contano, Nascita di una nazione e L'uomo squadrone sono fatti lì. Questi due film sono grandi successi e il successo è un successo, è un effetto palla di neve. Questi due film saranno una sorta di appello. Non poteva più accadere a New York, doveva accadere altrove, e una volta accaduto altrove, c'è stato un effetto valanga che ha fatto sì che questo luogo diventasse sempre più attraente per il cinema e dopo dieci anni diventasse così importante che era impossibile sviluppare il cinema altrove che su questo polo dove c'è una tale concentrazione di attività cinematografiche.

Perché si verifica questo fenomeno di agglomerazione? C'è una sorta di mistero che rende un'industria immateriale come il cinema, che può davvero mettersi assolutamente ovunque, perché si metteranno tutti allo stesso posto? L'effetto cluster è molto spettacolare.

Questa mappa mostra le società di produzione cinematografica nel 2001. Ogni piccolo punto rappresenta una società di produzione cinematografica e sono rappresentati da quadrati sotto i grandi studi. La scala è quella dell'area metropolitana di Los Angeles. C'è una logica molto forte che è una logica di cluster, una logica di agglomerazione che rende queste aziende di produzione magnetizzate l'una all'altra. Avrebbe potuto emergere un'altra logica geografica, che sarebbe stata una logica dispersa o con più poli. Il fenomeno in quanto tale non può essere spiegato, vale a dire le forze all'opera che spiegano questo fenomeno di agglomerazione. I teorici dell'economia, a partire da coloro che hanno colto questo fenomeno, usano il termine distretto industriale della stessa natura, con gli stessi processi e le stesse dinamiche che spiegano l'agglomerazione nella Silicon Valley.

Una delle caratteristiche delle industrie culturali è che sono oligopoli marginali, cioè ci sono pochi produttori che monopolizzano il 90% della produzione, e d'altra parte, ci sono aziende indipendenti molto piccole con strutture flessibili che operano in modo indipendente l'una dall'altra e indipendentemente dai grandi studi. Da un lato vi sono le grandi case discografiche e dall'altro gli indipendenti. Ciò che caratterizza i grandi studios è l'alto livello dei loro mezzi finanziari e materiali, che consente loro in particolare di beneficiare di forti economie di scala e di distribuire su larga scala. I lavoratori autonomi sono specializzati in un settore di produzione e distribuzione altamente flessibile. Inoltre, vi sono le istituzioni che servono a migliorare e strutturare il sistema.

Si tratta di un fenomeno di massiccia agglomerazione di attività a tutti i livelli e merita di essere spiegato. Dobbiamo esaminare la struttura organizzativa e il modo in cui opera questo settore. L'idea è quella di un'attività oligopolistica marginale con, da un lato, strutture di produzione molto grandi con grandi editori e grandi case di moda e, dall'altro, piccoli indipendenti. L'idea centrale è che abbiamo bisogno di strutture molto grandi che garantiscano una produzione molto grande e poi, dall'altro lato, di strutture piccole che diano flessibilità al processo creativo stesso.

Le istituzioni non sono propriamente sistemi di produzione, le istituzioni non producono film. Vi sono molti attori collettivi che non sono imprese e che svolgono un ruolo essenziale nella produzione. Ci sono l'Accademia degli Oscar, per esempio, sindacati che sono una sorta di corporazioni e confraternite che non riuniscono tutti i lavoratori del cinema, ma per esempio riuniscono tutte le persone che addestrano gli animali. Questi sindacati difenderanno i loro interessi e quelli dei loro affiliati. Il MPAA è come l'organismo collettivo che regola la produzione di film americani. Hollywood non è solo il grande studio, sono anche le istituzioni di regolamentazione come il codice Hays o il sistema di codice che sono molto potenti, che sono molto efficienti e molto legati tra loro. Queste norme sono applicate con molta attenzione, ma prima di tutto la funzione è commerciale.

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Il diagramma a sinistra è piuttosto descrittivo, quello a destra è piuttosto interpretativo.

Sul diagramma a sinistra appare la parte della produzione che è assicurata dagli studi indipendenti in grigio e dai grandi studi in grigio scuro. La frequenza, che è la percentuale di film e di incassi nazionali, è rappresentata da una scala logaritmica. Quasi tutta la curva indipendente è a sinistra e quasi tutta la produzione dei grandi studios è a destra. A sinistra, sono principalmente le compagnie indipendenti a fare un sacco di film che fanno pochi soldi, e a destra le grandi compagnie che fanno un sacco di film che fanno un sacco di soldi.

Il diagramma a destra è un po' più complicato e cerca di concettualizzare l'evoluzione della produzione cinematografica. C'è un asse di flessibilità con grandi studi che sono pesanti e molto inflessibili così come entità che sono piccole e quindi molto flessibili, e c'è un asse che mostra la standardizzazione dei prodotti. La vecchia Hollywood fa riferimento alla cella. Il sistema è esploso dentro e dentro. Sono indipendenti, piccole aziende indipendenti che si sono separati dai grandi studi di essere di piccole dimensioni di produzione di prodotti molto poco standardizzati. C'è l'evoluzione da vecchi studi a nuovi studi e poi l'emergere di indipendenti. La questione è il rapporto tra le dimensioni e la flessibilità delle istituzioni, da un lato, e l'innovazione e la standardizzazione dei prodotti offerti, dall'altro.

Perché questo richiede una presenza congiunta nello spazio? Perché questi grandi studi e anche i piccoli produttori indipendenti devono essere vicini gli uni agli altri? La spiegazione sta nella stessa storia che spiega la formazione e la manutenzione di tutti gli altri distretti industriali. Esiste una forte interconnessione tra i produttori legata al flusso di informazioni. È in un ambiente professionale in cui circolano molte informazioni tra i diversi produttori. Il sistema di produzione è chiamato "one shot". L'attuazione di queste configurazioni dà luogo a negoziati molto complessi. L'interazione può avvenire solo attraverso la co-presenza fisica, cioè per produrre un film a Hollywood, lo scrittore, il produttore, il regista e le due star devono sempre vedersi per sei mesi. C'è anche la questione dell'attrazione, cioè che a Hollywood c'è il miglior cinema del mondo, il più talentuoso, il più addestrato, il più rispettabile e il più redditizio. Hollywood ha la capacità di attrarre talenti da tutto il mondo per lavorare dove vengono realizzati i migliori film. Esiste un fenomeno di circolo virtuoso. Siamo di fronte a una legge che è la legge di attrazione, il che significa che più un corpo è pesante, più attirerà altri corpi. Per quanto riguarda la regolamentazione, vi sono organismi di regolamentazione locali che tengono tutto nelle loro mani, come queste famose imprese, corporazioni, associazioni, istituti di ricerca e università. Si tratta di un aspetto di natura politica, che garantisce la supervisione e il corretto funzionamento del sistema. E' una società con autorità, istituzioni e centri di potere che svolgeranno questo ruolo, creeranno legami e uniranno questo ambiente per renderlo ben organizzato e ben regolamentato. Il cinema come industria culturale non è disgiunto da altre attività economiche. Il distretto di Hollywood è un'industria cinematografica, ma dipende da altre risorse economiche che sono molto presenti nell'agglomerato: l'industria discografica, l'industria musicale, l'industria dei giochi, l'industria del turismo e l'editoria. La ragione ultima è qualcosa di semplice come il fatto che le persone hanno bisogno di vedersi, che è la necessità per gli esseri umani di avere complessi e sensibili scambi di informazioni faccia a faccia. C'è un sacco di scambi non verbali. Il problema è il flusso di informazioni complesse e il mancato distacco di informazioni complesse da coloro che le detengono. Diffondere informazioni complesse significa riunire le due persone che le detengono.

C'è un effetto di bloccaggio nello spazio di vantaggio comparativo che rende Hollywood non può diffondersi. Questo rimarrà bloccato localmente. C'è una serratura nello spazio che fa sì che questo accada localmente è una serratura nel tempo che fa sì che tutto derivi da un accumulo di oltre cento anni. Tutto ciò che è stato capitalizzato rimane localmente. Se Hollywood rimane Hollywood, è a causa di questo doppio bloccaggio nello spazio e nel tempo del vantaggio comparativo.

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Ci sono due modi per mappare il lavoro di Hollywood che sono che Hollywood è una rete ed è una rete che collegherà i grandi produttori e piccoli produttori che saranno permanentemente collegati per la realizzazione di un prodotto. La densità e l'intensità di questi collegamenti è legata alla vicinanza dei poli. Se non si è troppo lontani, possono verificarsi interazioni complesse con una persona in rete. C'è anche l'idea del sistema concentrico con al centro le grandi aziende, intorno ci sono gli indipendenti, poi i servizi specializzati e ulteriormente la domanda, le istituzioni e l'ambiente geografico.

C'è anche un quartiere del cinema a Parigi. Se mappiamo le aziende che si occupano di produzione cinematografica e visiva in Francia, vediamo che ci sono 142 società di produzione situate in Francia e ce ne sono quasi altrettante nell'8° arrondissement di Parigi. C'è lo stesso fenomeno di concentrazione e per le stesse ragioni. Nel nord di Parigi, c'è la città del cinema creata su iniziativa di Luc Besson, che è una vecchia fabbrica. Questi enormi hangar sono stati trasformati in studi cinematografici. Il distretto cinematografico parigino è in fase di sviluppo.

Distribuzione polarizzata

I film sono beni culturali e, come tutti i beni culturali, sono realizzati con segni e codici. Per consumare un film, è necessario capire un codice. I beni culturali non hanno solo una funzione simbolica, ma anche identitaria. L'identità collettiva e nazionale si basa su una circolazione di oggetti simbolici che possono essere romanzi, canzoni, fotografie, dipinti, ma anche film. Così il film porta qualcosa di simbolico secondo un'identità che ha senso per una data popolazione. Per diffondere un bene culturale oltre confine, è necessario trovare un vettore, perché è nella logica che non passa. Ciò che è misterioso è che passa. Ogni paese vivrà in un circuito chiuso, ma alcune opere acquisiranno un valore universale. Ciò è legato al valore eccezionale di queste opere, ma anche al fatto che sono state trasportate da un vettore. Questo può spiegare il fatto che i film americani sono esportati o per la qualità della produzione o per l'imperialismo culturale americano. La cultura americana è riuscita ad oltrepassare i confini dell'America, in particolare durante la seconda guerra mondiale, e si è fatta conoscere. C'è una configurazione geopolitica, ma anche una capacità di attrazione e di seduzione del mondo e della società americani. Lo stile di vita americano e il sogno americano hanno un significato reale. Il successo americano non è solo il risultato dell'imperialismo culturale americano, è anche la causa. È la diffusione di un modello culturale che riesce a diventare transnazionale, anche universale. Nella maggior parte dei paesi, la maggior parte dei film visti e distribuiti sono film americani.